Los Géneros musicales por excelencia.

Como sabéis, en clase estamos analizando las grandes formas musicales. Hemos hablado de la ópera (género vocal) y de la sinfonía, el concierto, y la sonata (como grandes formas instrumentales).

Pasemos a hablar de ellas.


I.- LA ÓPERA, EL GRAN GÉNERO VOCAL POR EXCELENCIA.

Ésta es la máxima expresión artística, ya que reúne en una sóla obra diversas artes: literatura, música, dramaturgia, y algunas de las partes plásticas (la pintura especialmente y en algunos casos la escultura). 

 Realmente se puede considerar que la ópera es un drama o tragedia teatrales en la que todo se desarrolla musicalmente. Así pues, salvo en casos muy concretos, todos los papeles son cantados.

Aunque se pueden detectar algunos casos incipientes en el siglo XVI, no es hasta Monteverdi cuando esta forma adquiere ya una personalidad que desembocaría en la gran ópera posterior.  En el siglo XVIII aparece la llamada ópera bufa de carácter cómico. A ésta hay que reconocerle el mérito de servir de revulsivo y renovación de la ópera seria. 

A continuación vamos a dar unas pequeñas definiciones de los términos relacionados con la ópera que señalan diferentes partes o secciones de dicha ópera:

• Recitativo: Se trata de la declamación musical del texto por parte de un cantante. Tiene carácter narrativo, y es acompañada por un instrumento (frecuentemente por el clave) o por la orquesta.

• Aria: Recibe los apelativos de Gran aria, Aria de Bravura o Aria Da Capo. En el aria, el cantante muestra sus poderes expresivos, líricos y musicales. Puede tener una estructura binaria o ternaria.

• Cavatina: Es el aria de salida, es decir, lo primero que interpreta el cantante nada más salir a escena. Su melodía es sencilla.

• Dúo, Terceto, Cuarteto, etc: Se trata de un aria donde participan dos, tres, cuatro o más solistas.





• Concertante: Suele presentarse al final de una escena, y está interpretada por varios solistas, acompañados normalmente de coro y de orquesta.

Otros términos, pero de carácter instrumental, relacionados con la forma de la ópera son los siguientes:

• Obertura: Tiene la función de introducción de la ópera, y normalmente se presenta como una sinfonía.

• Interludio: Se trata de un pasaje orquestal que separa dos escenas. Posee menos dimensiones que el preludio, aunque su forma es idéntica.






II.- LOS GRANDES GÉNEROS INSTRUMENTALES: SINFONÍA, CONCIERTO Y SONATA.


Si bien durante la Edad Media y el Renacimiento, la Música vocal era el género predominante y de mayor importancia, a partir del Barroco empiezan a constituirse las primeras orquestas. No será hasta el Siglo XVIII, durante el Clasicismo, cuando la Música Instrumental ocupe un lugar importante, llegando incluso a eclipsar a la vocal.

Veamos los principales géneros instrumentales.



I.- LA SINFONÍA:

Una sinfonía es un tipo de composición musical para la orquesta, dividida, generalmente, en cuatro movimientos, cada uno con un momento y estructura diferente. 

El tamaño de la orquesta  para interpretar una sinfonía, en general, ha crecido con el tiempo: mientras una orquesta de cámara con un par de docenas de instrumentos era suficiente para interpretar una sinfonía barraoca, o clásica  (de Haydn), una de Gustav Mahler puede requerir varios centenares de intérpretes.

SINFONÍAI INTERPRETADA POR UNA ORQUESTA BARROCA:

SINFONÍA INTERPRETADA POR UNA ORQUESTA CLÁSICA (SINFONÍA DE LA SORPRESA. HAYDN):

SINFONÍA INTERPRETADA POR UNA ORQUESTA ROMÁNTICA (SINFONÍA Nº 2. MAHLER):

La sinfonía nace en Italia, en 1730, y se convierte en el género más demandado e importante de esta época, aparecía como primera pieza de un concierto público y cumplía un carácter unificador. 

II.- EL CONCIERTO:

Como ya hemos dicho, el Concierto es un género instrumental en el que hay una alternancia entre un instrumento solista  y la orquesta, en el caso del concierto solista; o bien entre un grupo de instrumentos solistas (concertino) y la orquesta (en este tipo de concierto grosso, la orquesta se llama ripieno). Tanto el concierto solista como el concierto grosso constan de varios movimientos (Lento-Rápido-Lento, generalmente)

CONCIERTO SOLISTA (daros cuenta de que comienza tocando la orquesta, y hasta el 1:47" no comienza la parte solista). Escuchamos el concierto para violín (instrumento solista) en Sol Mayor de Haydn:

CONCIERTO GROSSO:  fijaos en que hay un contraste entre la orquesta (ripieno), formada aquí por violín, viola, violonchelo y clavecín y el concertino (violín, flauta travesera y clavecín). 

En este quinto concierto grosso de J.S. Bach, el clave forma parte tanto del concertino como del ripieno: en los pasajes de concertino la parte es obbligato; en los fragmentos de ripieno cuenta con una parte de bajo cifrado e interpreta el continuo. 

El concierto en toda su extensión se adapta para mostrar las cualidades de un buen clavecín y el virtuosismo de su ejecutante, pero sobre todo en la prolongada cadencia solista al primer movimiento. Parece casi seguro que Bach, considerado un gran virtuoso del órgano y del clavecín, fue el solista de clavecín en el estreno. Los estudiosos han visto en esta obra los orígenes del concierto para teclado en solitario, ya que es el primer ejemplo de un concierto con una parte de teclado solista.​

III.- LA SONATA:  

La sonata  es una forma musical instrumental, compuesta para uno, dos o tres instrumentos musicales,  y dividida en varios movimientos. 

Inicialmente predominaron las formas de tres movimientos, especialmente en la época clásica, pero a medida que aumentaban tanto su complejidad como duración se popularizaron las de cuatro movimientos.

En la época barroca, antes de 1750, el término sonata se utilizó con relativa libertad para describir obras reducidas de carácter instrumental, por oposición a la cantata, que incluía voces. 

A principios del período barroco fue muy popular la sonata a tre que nada tiene que ver con el trío de la época posterior a Haydn. La sonata a tres, dos violines (u otros dos instrumentos melódicos) interpretan la melodía, y un tercer instrumento toca el bajo continuo (podría ser el clavecín, el laúd, la tiorba, la viola da gamba, el violonchelo, etc.) 

A continuación,  Sonata a tre op. 2 n. 10 in Mi mayor de Corelli:

A inicios de la época clásica pasó a reservarse el nombre para obras compuestas para un instrumento solo o bien un instrumento melódico y piano, concebidas de acuerdo con una estructura de tres o cuatro movimientos en los que el tema musical se presenta, se expone, se desarrolla y se recapitula de acuerdo a una forma convencional. 

A continuación, Haydn: Violin Sonata No. 1:

Las sonatas de Haydn se estructuran en un allegro, en que el tema musical se muestra y desarrolla brevemente, un segundo movimiento más pausado —muchas veces andante o largo con forma lied (A-B-A), aunque ocasionalmente se empleó el minuet— en que el tema se desarrolla extensamente mediante técnicas orquestales, y un movimiento final —nuevamento allegro o aún presto— a veces planteado como un rondó, en que se recapitulaba el desarrollo orquestal prescindiendo de las modulaciones. La forma musical del rondó básico es A-B-A-C-A-B-A. En algunos casos se utilizó un esquema de cuatro movimientos, incluyendo tanto el minuet como el andante en el desarrollo temático.

Este último esquema predominó en la época considerada canónica de la sonata, con su desarrollo con Ludwig van Beethoven. El desarrollo en cuatro movimientos se había extendido ya para los cuartetos y las sinfonías. 

A continuación, Sonata para piano, nº 8 en do menor "Patética", interpretada por  Daniel Barenboim

Zarabanda. G. F. Haendel.

La Sarabanda de la Suite en re menor, es una de las composiciones más famosas de Georg Friedrich Haendel (Halle, 1685 – Londres, 1759), compositor de origen alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los mejores y más influyentes compositores de la música occidental.

De ella se han realizado numerosas versiones:

Pero la más conocida y la que más ha contribuido a la difusión de esta pieza por el público en general, es la versión para orquesta que aparece en la banda sonora de la película de Stanley Kubrick "Barry Lyndon", realizada para cuerdas, timbal y continuo, por el compositor Leonard Rosenman.

Sin embargo, la pieza original fue escrita para clave y es el tercero de los cuatro movimientos que conforma la suite.

BARROCO MUSICAL

Si quieres pasar un rato entretenido conociendo mejor este periodo y su música, puedes ver algunas de las películas ambientadas en este periodo como Tous le matins du monde (Todas las mañanas del mundo), Mi nombre es Bach, Farinelli o Barocco.

Hola, como os dije, en esta Unidad, vais a elegir qué parte os gusta más sobre el Barroco para exponerla en clase. 

Bienvenidos y bienvenidas al Barroco Musical, una de las etapas más maravillosas de la Música Clásica.

Antes de nada, os dejo este enlace, en el que lo veréis todo muy claro. Os aconsejo que empecéis por aquí, para después desarrollar la parte que más os guste.

El barroco Musical.

¿Qué es “barroco”, y cuándo era la época barroca?

Es un arte con estilo musical europeo, muy relacionado con la famosa época cultural homónima, que se inicia con el nacimiento de la ópera alrededor 1600 hasta la muerte del gran compositor Sebastian Bach, en el año de 1750.

Deriva del portugués barroco , o “perla de forma irregular”, el término “barroco” ha sido ampliamente utilizado desde el siglo XIX para describir el período de la música de arte de Europa occidental desde aproximadamente 1600-1750, entre el Renacimiento y el Clasicismo.

 La comparación de algunas de las mayores obras maestras de la historia de la música a una perla deforme podría parecer extraño para nosotros hoy en día, pero a los críticos del siglo XIX que aplicaron el término, la música de la era del gran JS Bach, Henry Purcell, Frideric Handel sonaba excesivamente ornamentada y exagerada.

Además de la producción de la música europea más temprana familiar para la mayoría de nosotros, incluyendo Canon de Pachelbel y de Antonio Vivaldi Las cuatro estaciones. La aceptación de la teoría de Copérnico del siglo XVI que los planetas no giran alrededor de la tierra hizo el universo un lugar mucho más grande, mientras que el trabajo de Galileo nos ayudó a conseguir un mejor conocimiento de los cosmos. Los avances en la tecnología, tales como la invención del telescopio, contribuyó a ello.

Grandes pensadores como Rene Descartes, Hobbes, Spinoza y Locke abordan los grandes interrogantes de la existencia. Genios como Rubens, Rembrandt, ofrecen perspectivas únicas a través de su arte. Naciones europeas crecieron más y más involucrados con el comercio exterior y la colonización, nos trae en contacto directo con las partes del mundo que antes eran desconocidos. Y el crecimiento de una nueva clase media dio vida a una cultura artística que hasta ahora dependía mucho de los caprichos de la iglesia y el corte.

La Características de la Música barroca.

Una de las características del barroco más importantes fue la música ya que este periodo destacó por ser en el que hubo grandes cambios en este arte. y seguido la música barroca se clasifica en 3 fases barroco primitivo medio y tardío teniendo las propias matices en cada periodo. La música barroca se representó por géneros como las sonatas, óperas y sinfonías.

Es durante este periodo dónde surgen diferentes géneros musicales que en la actualidad se les conoce como clásicos; las cantatas, sonatas, óperas, suites y oratorios.

Durante el Barroco aparece la orquesta en donde se predominan los instrumentos de cuerda como el violín, viola y violonchelo, a los cuales se fueron añadiendo otros instrumentos de Viento y percusión.

Es de esa época el manejo del bajo continuo, siendo interpretado mayormente por uno o más instrumentos Melódicos graves como la viola el fagot y violonchelo añadiendo instrumento armónico para las acordes cómo el arpa, laúd, clave un órgano.

Durante el barroco se dio el desarrollo de la armonía tonal en la cual queda subordinada a los acordes y el ritmo de la armonía es rápido cambiando muy frecuentemente de acordes. Sobresaliendo por los fuertes constantes sonoros entre instrumentos de Cuerda viento percusión coro o un solista y orquesta.

Concepción del músico en la época barroca

Cualquier discusión de la filosofía artística de un compositor barroco deben ser moderadas, al menos ligeramente, por la realidad de sus vidas. En los tiempos modernos, los artistas ganan con frecuencia la vida produciendo exactamente el tipo de arte que se mueven a crear. En consecuencia, a menudo pensamos en el artista y el grado de su inspiración artística-como el punto de partida para una obra de arte. A lo largo de gran parte de la época barroca, sin embargo, compositores solamente se ganaban la vida escribiendo música si eran lo suficientemente afortunado de estar en la nómina de una institución política o religiosa. Las necesidades musicales de la institución, por lo tanto, dictaron la música que produjo cada compositor. 

JS Bach escribió el número de cantatas lo hizo, por ejemplo, no necesariamente porque encontró la forma de inspiración, pero debido a las exigencias litúrgicas de la iglesia de Leipzig que lo empleaba. Cuando se ve en esta luz, la música barroca puede proporcionar una ventana fascinante a la historia.

Contraste como elemento dramático

El contraste es un ingrediente importante en el drama de una composición barroca.

 Las diferencias entre los fuertes y suaves, solistas y de grupos (como en el concierto), diferentes instrumentos y timbres todos juegan un papel importante en muchas composiciones barrocas. 

Los grandes compositores del barroco también comenzaron a ser más preciso sobre la instrumentación, a menudo especificación de los instrumentos en los que una pieza debe ser reproducido en lugar de permitir que el intérprete para elegir. Instrumentos brillantes como la trompeta y el violín también crecieron en popularidad.

Monodía y el advenimiento del bajo continuo

En épocas musicales anteriores, una pieza de música tiende a consistir en una sola melodía, tal vez con un acompañamiento improvisado, o varias melodías que se tocan simultáneamente (polifonía).

 No fue hasta la época barroca cuando comienza el concepto de “melodía” y “armonía” realmente a articularse. Como parte del esfuerzo para imitar la música antigua, los compositores comenzaron a centrarse menos en la polifonía compleja que dominó los siglos XV y XVI, y más en una sola voz con un acompañamiento simplificado, o monodía. 

Aquí podéis ver una partitura escrita por J.S. Bach. Ya recuerda más a nuestro lenguaje musical ¿verdad?

La musica del barroco

Junto con el énfasis en una sola línea de la melodía y el bajo llegó la práctica del bajo continuo , un método de notación musical en la que la melodía y la línea de bajo se escriben y el relleno armónico indica en un tipo de taquigrafía. 

A medida que el músico italiano Agostino Agazzari explicó en 1607: "Desde el verdadero estilo de expresar las palabras, por fin se ha encontrado, a saber, mediante la reproducción de su sentido de la mejor manera posible, lo que tiene más éxito con una sola voz (o no más de unos pocos ), como en los aires modernos por varios hombres capaces, y, como es la práctica constante en Roma en la música concertada, digo que no es necesario hacer una puntuación … un Bass, con sus indicaciones para las armonías, es suficiente. Pero si alguien me dijera que, para la reproducción de las obras antiguas, llenas de fuga y contrapunto, un Bass no es suficiente, mi respuesta es que las obras vocales de este tipo ya no están en uso".

Debido a que el bajo continuo, o bajo continuo, estuvo siendo una práctica habitual hasta el final del período barroco, la época se conoce a veces como la “edad del bajo continuo.”

Nuevas formas:

I.- Formas Instrumentales

Ante el nacimiento de la orquesta, surgen nuevas formas de música instrumental, que compite en igualdad con la música vocal (pincha en cada enlace)

El concierto grosso, en contraposición al concierto solista (para un sólo instrumento).

La suite, un conjunto de danzas para orquesta.

La sonata, una composición para ser sonada por un sólo instrumento.

II.- Formas vocales 

II. a) La ópera barroca: Las corrientes humanistas, en particular la [Camerata Florentina], buscaban ya a finales del XVI una puesta al día del antiguo teatro griego, basándose sin embargo en formas musicales recientes, como el drama litúrgico, el drama pastoral, las comedias madrigalescas con figuras de la commedia dell'arte y los intermezzi teatrales. Los sucesivos experimentos en los que la música vocal se combinaba con danzas y escenas teatrales habladas forjaron finalmente un espectáculo musicalmente continuado, en que estas escenas habladas eran sustituidas por recitativos: había nacido la ópera. Entre las primeras se cuentan la Dafne de Jacopo Peri, de cuya música solo se conservan algunos fragmentos y cuyo tema fue significativamente tomado de Las metamorfosis de Ovidio, y Eurídice, también de Jacopo Peri, esta sí conservada completa en su edición de 1600. Pero fue Monteverdi con su Orfeo (1607) quien consolidó la forma.

La evolución posterior y su fusión con otras formas músico-teatrales acabó convirtiendo a la ópera barroca en una representación teatral íntegramente musicada en la que se suceden números de cuatro tipos:

• Recitativos, en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la obra dramática en un canto silábico apenas acompañado por el bajo continuo.

• Arias, verdadero núcleo musical de la ópera. Son números solísticos líricos y muy elaborados, a menudo virtuosos, al servicio del lucimiento del cantante y del puro deleite musical (aun a costa del decurso teatral, aquí suspendido). Hacia el final del periodo se impuso la forma A-B-A, llamada aria da capo.

• Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso, como la sinfonía inicial y, sobre todo, las danzas bailadas en escena.

• Coros, generalmente a cuatro voces, a imitación de los coros del teatro griego.

La ópera se impuso como el gran espectáculo de la época en toda Europa: además de en toda Italia, se representaron regularmente en lugares como Viena, Londres, Hamburgo, Dresde, Hannover, Múnich y París. Con la notable excepción de Francia, el italiano siguió siendo el idioma de los libretos, y la temática casi siempre mitológica: era la llamada opera seria, arena del triunfo de los compositores con pretensiones de éxito del Barroco.

Paralelamente aparecieron géneros músico-teatrales más populares, en lengua vernácula, con personajes contemporáneos (a menudo de clase baja), tramas a veces humorísticas y pasajes hablados en lugar de recitativos. Estos espectáculos se introducían bien a modo de intermedio entre los actos de la ópera seria o bien como obras independientes; recibieron diversos nombres en cada país: singspiel (Alemania), zarzuela (España), opera buffa e intermezzi (Italia), opéra-comique (Francia), etc.

II.b) El oratorio

Musicalmente casi idéntico a la ópera (aunque con más énfasis en los coros), solía tener una temática religiosa y no era escenificado (esto es, era ejecutado al modo de las actuales "versiones de concierto"). A diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los oratorios solían escribirse en lengua vernácula. El más famoso ejemplo es El Mesías de Händel.

Un caso particular de oratorio, representado en las iglesias protestantes de la época, era la Pasión, obra de larga duración que relataba, en recitativo, el texto evangélico de la Pasión de Jesucristo, con arias y corales insertados. La Pasión según San Mateo de Bach es su más ilustre ejemplo.

II.c) La cantata

La asunción de la monodia, el recitativo y el estilo concertante por la música de iglesia dio lugar a una nueva forma musical, la cantata, obra de uso litúrgico que intercalaba sinfonías instrumentales, recitativos, arias y coros. La composición y ejecución de nuevas cantatas religiosas en lengua vernácula era parte de las obligaciones cotidianas de los músicos de los países luteranos, caso de Bach en Leipzig: allí compuso más de doscientas.

Se escribieron también cantatas profanas, especie de minióperas de cámara habitualmente formadas por la secuencia Recitativo-Aria-Recitativo-Aria. Con frecuencia tienen un carácter vanguardista por estar dirigidas a una audiencia selecta y culta. Aunque Alessandro Scarlatti fue el más prolífico autor del género,²​ son sin embargo más conocidas la Cantata del café de Bach o las compuestas por Händel, en italiano, durante su estancia en Roma.