Comenzamos una nueva unidad: La Música en el Barroco. No olvidéis ir haciendo un resumen/esquema en vuestro cuaderno.
Empezamos por este vídeo, que nos va a ayudar a entender esta etapa artística:
Introducción:
La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo, relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo.
El término barroco se tomó de la arquitectura, donde designaba algo «retorcido», una construcción «pesada, elaborada, envuelta» (siendo el término original, «barrueco» o «berrueco», un lusismo que describía una perla deformada o joya falsa). En el siglo XVIII se usó en sentido peyorativo para describir las características del estilo musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado».
¿Queréis saber cómo sonaba la música barroca? aquí tenéis una muestra (probad a estudiar con esta música de fondo, con volumen bajo; está demostrado que fomenta la concentración):
1.-Contexto Histórico y social:
El siglo XVII fue tanto para España como para el resto de Europa un período de grave crisis política, militar, económica y social que terminó por convertir el Imperio Español en una potencia de segundo rango dentro de Europa.
En política exterior, debido a una mala gestión se involucró a España en la guerra de los Treinta Años, en la que sufrió graves derrotas militares. Además, la Corona española perdió buena parte de sus posesiones en Europa, de modo que a principios del siglo XVIII el Imperio español en Europa estaba totalmente liquidado.
En política interior, la crisis no fue menos importante. España sufrió una grave crisis demográfica, consecuencia de la expulsión de casi 300.000 moriscos y de la mortalidad provocada por las continuas guerras, el hambre y la peste.
En Europa también se caracterizó por ser un tiempo de
crisis, conflictos y contrastes. En esta época, Europa se encuentra superada
por una cantidad de cambios de todo tipo (económicos, sociales, políticos,
culturales, científicos...) que no alcanza a comprender ni manejar. En el plano histórico y político deben destacarse:
- Las guerras de religión, concretamente la “Guerra de los treinta
años” (1618-1648)
- Enfrentamientos entre burguesía y aristocracia
- Aparición del mercantilismo, como forma de organización
económica.
2.-Contexto cultural y filosófico:
Sin duda es el nacimiento de la ciencia moderna el acontecimiento cultural
que más influye en la filosofía de la época.
En el plano filosófico:
La filosofía busca, en medio de esta confusión y crisis, una nueva manera
de entender el mundo, y lo hace por medio de dos caminos distintos;
mientras que en el continente europeo se desarrolla la Filosofía racionalista,
en las islas británicas domina el enfoque empirista.
3.- La Música Barroca:
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| MAPA CONCEPTUAL DE LA MÚSICA BARROCA: PRINCIPALES GÉNEROS VOCALES E INSTRUMENTALES |
a)Características generales:
- Surge una nueva textura, la monodía acompañada: aunque se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, estas no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo o cifrado.
- La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos graves (violonchelo, viola da gamba, fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, archilaúd, órgano positivo, guitarra barroca, arpa, tiorba...).
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ejemplo de cómo sería el bajo cifrado: los números indican los acordes que debía improvisar el intérprete de bajo continuo
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- El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes armados desde el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde).
- El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o ternario), muy uniforme, incluso mecánico.
- El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
- La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata, la orquesta y la suite entre las segundas.
- El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres habitual en el Renacimiento.
- El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de ornamentación.
b) MÚSICA VOCAL:
En lo que respecta sólo a la música vocal (o sea, música para cantar), mucha de esta
música era simplemente lo que se denomina “monodía acompañada”. Este tipo de
música era la más sencilla que podía emplearse en el Barroco, y consistía en una
melodía para cantar, que se acompañaba únicamente de bajo continuo. Así se
compuso muchísima música durante el Barroco.
Las principales formas musicales (o sea, tipos de música) que surgieron en este
periodo son las siguientes, tanto en música profana como religiosa:
- En música profana: la ópera.
- En música religiosa: el oratorio, la cantata y la pasión.
La ópera fue el gran invento musical del Barroco. La palabra «opera» significa 'obra' en italiano (de la voz latina «opus», 'obra' o 'labor') sugiriendo que combina las artes del canto coral y solista, declamación, actuación y danza en un espectáculo escénico. Antes del Barroco no existía la
ópera, si acaso algunas obras de teatro con algo de música se le podían parecer, pero
no eran óperas.
Podemos definir la ópera como una obra teatral cantada, normalmente en italiano, con música desde el
principio hasta el final, que nace en el Barroco. No olvidemos, que el nacimiento del Barroco lo determina la fecha del estreno de la primera ópera. Pero realmente, ¿qué sabemos de la primera ópera?:
Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal como la entendemos hoy. Fue escrita durante 1597, bajo la gran inspiración de un círculo elitista de literatos humanistas florentinos, conocidos como la "Camerata de' Bardi" o "Camerata Florentina". Significativamente, Dafne fue un intento de revivir la tragedia griega clásica, parte del más amplio revivir de las características de la antigüedad, propio del Renacimiento. Los miembros de la Camerata consideraban que las partes corales de las tragedias griegas fueron originalmente cantadas, y posiblemente el texto entero de todos los roles; la ópera entonces fue concebida como una manera de "restaurar" esta situación. Dafne se representó en privado por primera vez el 26 de diciembre de 1598 en el Palacio Tornabuoni de la ciudad de Florencia (Italia), y en público el 21 de enero de 1599 en el Palacio Pitti, de Florencia. Pero Dafne se halla perdida.
Una obra posterior de Peri, Euridice, de 1600, es la primera ópera que ha sobrevivido.
Pero el honor de ser la primera ópera que aún se presenta regularmente le corresponde a L'Orfeo de Claudio Monteverdi, compuesta para la corte de Mantua en 1607.
Para montarse precisa de escenario,
orquesta, coro y solistas. Se inicia con una obertura (parte instrumental, sin escena, que sirve de aviso del inicio de la ópera. En el siguiente enlace tenéis una obertura: obertura ópera Orfeo de Monteverdi) y en su música alterna recitativos, arias y piezas para coro.
Inicialmente este espectáculo de la ópera surgió en Italia, concretamente en la ciudad
de Florencia, entre la gente de la nobleza. Sin embargo, se convirtió muy pronto en
un espectáculo de tanto éxito y popularidad, que en poco tiempo se extendió por toda
Italia, y luego por Europa. Tan sólo en la ciudad de Venecia llegó a haber cerca de
veinte teatros, la mayoría de ellos con representaciones de ópera casi a diario.
Sin embargo, resultaba demasiado monótono y aburrido el cantar toda una ópera en estilo recitativo.
Por eso, para variar este estilo, había varias partes de la ópera que se denominaban arias. Un aria consistía en una melodía para cantar muy adornada, que se acompañaba generalmente de la orquesta.
Así, las óperas resultaban ser una combinación de recitativos, arias, y de vez en cuando alguna pieza para coro o para instrumentos sólo. De este modo, las óperas resultaban mucho más amenas y variadas, incluso aunque duraran varias horas. Conforme la ópera se hacía más y más popular en Italia, surgieron varios tipos de ópera, fundamentalmente dos. Por un lado, había un tipo de ópera seria, que era de carácter aristocrático, y sus temas y personajes provenían de la mitología y de los dioses de la Antigüedad.
Por otro lado, había también la llamada ópera bufa. Esta ópera era de carácter más popular, donde sus protagonistas eran personas provenientes de la clase media. A menudo había aquí algunas escenas y personajes que eran cómicos.
A continuación podéis escuchar una de las más bellas arias de la ópera Rinaldo, de Händel, una ópera barroca:
En el siguiente vídeo podéis escuchar un recitativo de la misma ópera. Como podéis escuchar no tiene la belleza y riqueza melódica del aria. El recitativo es una voz declamada o semicantada acompañada de un instrumento (clave) que hace la función de bajo continuo:
Y cómo no, los coros:
- En Italia: Claudio Monteverdi.
- En Francia: Lully.
- En Inglaterra: Georg Friedrich Händel.
Claudio Monteverdi es uno de los más grandes compositores de toda la historia, y fue
muy importante porque vivió entre los siglos XVI y XVII, de manera, que resultó ser
el compositor que cerró el Renacimiento (componiendo numerosos madrigales) y
abrió el nuevo estilo barroco en Italia.
En lo que se refiere a la música vocal religiosa del Barroco, una importante
característica de esta música sería el policoralismo, que como su propio nombre
indica, consiste en utilizar dos o más coros en una misma obra. Esta forma de
componer a varios coros se puso de moda primeramente en Venecia, igual que el
estilo concertato que se comentó anteriormente. Como ya se ha dicho, las nuevas formas de música vocal religiosa aparecidas en el
Barroco fueron el oratorio, la cantata y la pasión.
El oratorio es una forma vocal religiosa de carácter narrativo, pero sin representación
escénica, donde se canta un drama basado en la Biblia. Intervienen orquesta, coro y
solistas, y en su música alterna recitativos, arias y piezas para coro.
Por tanto, la diferencia fundamental con la ópera es que en el oratorio no se actúa
como se hace en la ópera, y además, como es lógico, la historia que se narra está
basada en la Biblia. Pero por lo demás, la música es bastante parecida, pues alterna
recitativos y arias, igual que en la ópera.
A diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los oratorios solían escribirse en lengua vernácula (p.ej: el Mesías está escrito en inglés). El más famoso ejemplo es El Mesías de Händel. A continuación podéis escuchar el coro del oratorio El Mesías de Händel:
Por su parte, la cantata es una forma vocal sobre un texto de carácter lírico, que puede ser profano o religioso. También en su música intervienen orquesta, coro y solistas, y alterna recitativos, arias y piezas para coro. Las cantatas solían ser obras no demasiado largas (máximo 15 o 20 minutos), a diferencia de los oratorios, que podían durar dos horas o más. Pero lo característico de la cantata es que se canta un poema, no se narra ni se cuenta ninguna historia como en el oratorio.
Las primeras cantatas barrocas empezaron siendo profanas, pero cada vez se compusieron más cantatas religiosas, que fueron las que acabaron por predominar. Johann Sebastian Bach sería el gran compositor barroco de cantatas.
¿Pero qué le llevó a Bach a escribir una Cantata sobre un tema tan secular e incluso banal como es el café?
En 1729, Bach asumió la dirección del Collegium Musicum de Leipzig, fundada por Telemann en 1702. El Collegium estaba formado por un grupo de estudiantes de música que se reunían cada viernes por la noche en el Café Zimmermann (Zimmermannsche Kaffeehaus), en la calle St. Catherine frente a la plaza del mercado, para dar conciertos. En verano eran al aire libre, en el Jardín Zimmermann (los miércoles entre las cuatro y las seis de la tarde). Es muy probable que algunas de obras seculares más conocidas de Bach, como los conciertos para clavecín y suites orquestales hayan sido escritas y estrenadas para el Collegium. Probablemente, es para este grupo de músicos para los que Bach escribió la Cantata del Café (1734 1735). La Cantata del Café, aunque clasificada como una cantata, es esencialmente una pequeña ópera cómica, en la que se burla de los bebedores de café como de sus sus críticos a la antigua.
A continuación podéis escuchar la CANTATA DEL CAFÉ:
La pasión es una especie de oratorio donde la historia que se narra es siempre la misma, la pasión y muerte de Cristo, basándose en alguno de los cuatro evangelistas que la cuentan. Por tanto, es también una forma vocal religiosa sin representación escénica. E igual que en el oratorio y la cantata, intervienen orquesta, coro y solistas, y en su música alterna recitativos, arias y piezas para coro. La pasión también puede estar escrita en cualquier idioma, por ejemplo, la Pasión según San Mateo de J.S. Bach está escrita en alemán.
La Pasión según San Mateo de Bach es su más ilustre ejemplo. Johann Sebastian Bach es el principal compositor de música barroca religiosa, y uno de los más importantes compositores de la historia. Se conservan de él dos pasiones y más de doscientas cantatas.
A continuación, la Pasión según San Mateo de J.S. Bach:
No olvidéis que tanto en el oratorio, como en la cantata y en la pasión también hay arias, recitativos y coros.
c) Música instrumental:
En el Barroco no se crean nuevos instrumentos, sino que se perfeccionan los instrumentos renacentistas hacia modelos dinámicamente más flexibles; de este modo vio aparecer la orquesta en el sentido moderno del término. La familia del violín (violines, violas, violonchelos) alcanzó su grado máximo de perfección constructiva en el XVII, hasta el punto de que entonces quedaron fijados los modelos que, en lo fundamental, han sido reproducidos durante los trescientos años siguientes, gracias a la labor de familias de artesanos como los Stradivari y los Amati.
¿Qué hace tan exclusivos a estos instrumentos?. Aquí tenéis la repsuesta:
¿Qué hace tan exclusivos a estos instrumentos?. Aquí tenéis la repsuesta:
Los instrumentos de viento madera fueron radicalmente transformados por la familia Hotteterre, apareciendo entonces el oboe, el fagot y la flauta travesera barroca. Por otra parte, se siguen utilizando instrumentos de otras épocas como el sacabuche (lo que sería posteriormente el trombón), la trompeta y la trompa, ambos sin pistones.
La música instrumental tuvo un auge sin precedentes en los siglos XVII y XVIII; por primera vez en la historia, la música vocal e instrumental estaban en plena igualdad. Hubo un gran florecimiento en formas musicales, técnicas, intérpretes y compositores, que poseían ya un profundo conocimiento de la técnica de los instrumentos.
Siguiendo el MAPA CONCEPTUAL que presentamos al principio, podemos encontrar los siguientes géneros instrumentales:
LA SONATA
Al igual que la palabra cantata designa una composición para canto solista y bajo continuo, la palabra sonata designa en el Barroco una composición para ser "sonada", esto es, para uno o dos instrumentos (sonata a solo o sonata en trío, respectivamente) más el habitual bajo continuo. La combinación más habitual incluía violín, flauta travesera u oboe para la o las voces superiores, más violoncello y un instrumento de acordes (órgano, clave, arpa, laúd...) para el continuo: su textura muestra la polarización de voces típica del Barroco.
La sonata solía dividirse en tres o cuatro movimientos de carácter y tempo contrastantes: Largo-Allegro-Adagio-Allegro.
Había sonatas para la iglesia (sonate da chiesa) y sonatas para salas civiles (sonate da camera.
Entre los más célebres autores de sonatas están Corelli, Vivaldi y Bach.
A continuación escucharéis una sonata de J.S.Bach (para flauta y clave)
EL CONCERTO GROSSO Y EL CONCIERTO SOLISTA:
A finales del XVII se consolidó el concepto de orquesta, como conjunto en el que varios instrumentos de cuerda interpretan al unísono una misma línea melódica, de suerte que una música escrita a tres o cuatro voces (esto es, en partitura de tres o cuatro pentagramas) podía ser interpretada por un conjunto de hasta quince o veinte músicos.
Nació así la posibilidad de alternar pasajes para la masa orquestal completa (tutti o concerto grosso) con otros para los solistas del conjunto (concertino, habitualmente formado por un grupo de dos violines y un violoncello). A las obras así escritas se les llamó concerti grossi.
A continuación podéis escuchar un concierto grosso (se alterna toda la orquesta o tutti y el concertino - un grupo de solistas que van tocando sucesivamente-):
Fíjate en el siguiente vídeo: ¿cuántos instrumentos forman parte del concertino?
Fíjate en el siguiente vídeo: ¿cuántos instrumentos forman parte del concertino?
Se hizo tan popular el concierto grosso, que las partes solísticas ganaron en sofisticación y dificultad técnica hasta diferenciarse temática y musicalmente de las partes orquestales: nació así el concierto solista virtuoso en tres movimientos (típicamente Allegro-Adagio-Presto), fijado por Vivaldi y que traspasó épocas musicales al punto de estar aún vigente como forma musical.
Podéis escuchar a continuación un concierto solitas para violín, de J.S. Bach:
LA SUITE:
Una suite es una sucesión de movimientos o piezas de danza que se interpretan seguidas (en francés, suite).
Las danzas solían tener una forma binaria (dos temas A y B) simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. En las suites de Bach y algunos de sus contemporáneos la segunda sección suele comenzar con una especie de desarrollo de las ideas musicales de la primera, y al final aparece una especie de “reexposición” del material temático del comienzo, en la misma tonalidad. Esto, junto con la forma ternaria reexpositiva (característica por ejemplo del minueto) evolucionará en el estilo siguiente (Clasicismo) hacia el esquema de sonata.
Su secuencia mínima clásica incluía:
Las danzas solían tener una forma binaria (dos temas A y B) simple, es decir, dos secciones más o menos iguales. En las suites de Bach y algunos de sus contemporáneos la segunda sección suele comenzar con una especie de desarrollo de las ideas musicales de la primera, y al final aparece una especie de “reexposición” del material temático del comienzo, en la misma tonalidad. Esto, junto con la forma ternaria reexpositiva (característica por ejemplo del minueto) evolucionará en el estilo siguiente (Clasicismo) hacia el esquema de sonata.
Su secuencia mínima clásica incluía:
- Allemande: danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado.
- Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior, de compás ternario y frecuentes hemiolias.
- Sarabande: danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su segundo pulso, de origen español.
- Giga: danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen irlandés.
A las que se podía añadir una obertura inicial más otras danzas tras la giga, elegidas libremente, como por ejemplo:
- Minueto: de compás ternario parecido al del vals. La suite suele contener dos minués emparejados.
- Rondó: pequeña pieza basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones (B, C, D, etc.).
De carácter aristocrático, vigoroso rítmicamente y muy sofisticado en lo melódico, la suite se derivó de los ballets de cour de la corte francesa de Versalles y acabó infiltrándose en toda la música instrumental francesa, alemana e incluso italiana, tanto para instrumentos solistas (clavicémbalo, laúd, tiorba) como para grupos de cámara o conjunto orquestal.
d) La orquesta Barroca
La familia de la cuerda frotada fue la familia estrella del Barroco. En el siguiente vídeo podéis hacer un recorrido por los instrumentos que surgen durante este período:
